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Arte

Marina Abramović

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Marina Abramović  

“Un artista no debería mentirse a sí mismo u a otros.

  Un artista no debería robar ideas a otros artistas.

  Un artista no debería matar a otros seres humanos.

  Un artista no debería de hacer de sí mismo un ídolo.

  Un artista debería evitar enamorarse de otro artista.

  Un artista debería ser erótico.

  Un artista no debería suicidarse.

  Un artista no debería deprimirse.

  Un artista no debería de tener auto-control sobre su vida o muerte”.

– Marina Abramović

El performance se ha transformado en un cuerpo y desemboca en el alma de una mujer, Marina Abramović, una mujer adelantada a su época y que ha usado su cuerpo como el arma más fuerte y con el cual expresa su arte, siendo un campo abierto a la experimentación y creación de nuevas técnicas. Ella es la obra y genera la reflexión en torno a su imagen y las instalaciones que plantea en sus presentaciones.

Los performance que hoy conocemos son gracias a su influencia y los pasos que dejó en esta interacción artística donde el espectador, obra y artista se conjugan en el mismo tiempo/espacio/lugar, generando un diálogo más directo y causando una mayor profundización en la mente del público. A mayor público, mejor es la presentación por la energía del espacio, para ella, el público tenía que dar un paso histórico y volverse uno con el objeto. Marina Abramović

Toda su carrera artística comenzó en los 60´s en Belgrado, la ciudad en la que nació, completando su formación artística en Croacia y dando clases en Bellas Artes. Su primer trabajo que le ganó reconocimiento y con el que saltó a la fama fue su serie Rhythm de 1973 a 1974, explorando al límite el body art, donde le dio al público 72 instrumentos de diferentes funciones desde un lápiz hasta una pistola cargada. Le pidió a los presentes que los usara como quisieran sobre su cuerpo, acto seguido, se quedó inmóvil seis horas.

Lo que buscaba era la reflexión de la confianza y el contrato social que todos tenemos con el otro, pero lo único que encontró fue daños físicos a su ropa y persona: le cortaron la ropa, le clavaron espinas en el vientre, le apuntaron en la cabeza con el arma. En todas las apariciones de esta serie trataron de temas universales como el dolor, la muerte, la soledad, el paso del tiempo, la conciencia/inconsciencia. Marina Abramović

Posteriormente, comenzó a trabajar durante una temporada, 70´s y 80´s, con su pareja el fotógrafo Uwe Laysiepen, mejor conocido como Ulay, de sus performances más reconocidos es Imponderabilia en 1977: se pararon desnudos en la entrada estrecha de un museo mirándose a los ojos y forzando a los asistentes que pasaran entre ellos. Marina Abramović

Otro reconocido es  AAA-AAA (1978), donde ambos se gritaban el uno al otro hasta ver quién tenía la voz dominante. En 1980 hicieron Rest Energy, la pareja permanecía quieta mientas sostenían un arco,  él apuntaba a su corazón con la flecha. Se grabaron los corazones acelerados para demostrar que la responsabilidad, si algo llegaba a pasar, era de ambos. Incluso cuando hicieron su separación en 1988 de una forma artística llamada “The Lovers”, caminaron 2,000 kilómetros en tres meses, cada uno en los extremos contrarios de la Gran Muralla China para darse el último abrazo. Marina Abramović

Después de este giro a su vida y sus viajes a Latinoamérica, Abramović cambió por completo el sentido de su arte y comenzó a incorporar elementos físicos y vivos a sus presentaciones: 1,500 huesos frescos y llenos de sangre de ternera, piedras preciosas, imanes, pitones hambrientas sobre su cuerpo desnudo, cualquier objeto era válido para generar su barroquismo. Marina Abramović

Marina Abramović

Al comienzo del nuevo siglo, sus presentaciones se minimizaron hasta ser un acto de solo ella en escena y objetos. The artist is present, en el 2010, duró  sentada en el hall del museo neoyorquino MoMa por más de 700 horas, permitiendo que más de 1800 visitantes se sentaran frente a ella en silencio para acompañarla en su paz, fue una forma de celebrar su obra y trayectoria.

Lo que ella buscaba era hablar de la alienación y las carencias de comunicación en una de las más grandes urbes del mundo. Pero algo sorprendente pasó, después de 23 años de no volver a ver su pareja, Ulay apareció el día de la inauguración, fue con el único que hizo contacto físico (tocó sus manos), además de hablarle con la mirada. Marina Abramović

Si se le intenta encasillar en solo un estilo no será posible, ella es la representación de cambio y movimiento logrando que su vida sea arte y el arte su vida, aún nos queda mucho más de “la abuela del performance” (como ella misma se hace llamar). Sin esposos, sin hijos, sin apoyos, Marina recorre todo el mundo con sus presentaciones artísticas y acercándose al público, al tiempo/espacio, al misticismo, a todo lo que la rodea y conforma.

Paola Gris Pier para Watch&Think

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Arte

Arte sinestesia

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Cuando escuchamos nuestra canción favorita pensamos en algún recuerdo significativo o en el video musical, pero existen personas que literalmente piensan en un color específico para cada nota.

La sinestesia es el don que mezcla los sentidos, varias celebridades como Kanye West, Marilyn Monroe o Jimi Hendrix han tenido sinestesia la cual les ha ayudado a desempeñarse de manera distinta en sus creaciones o interpretaciones. Las personas sinestésicas pueden ver sonidos, saborear u oler colores y tocar emociones. Arte sinestesia

Lo impactante de la sinestesia es que realmente ven y sienten con más de un sentido. Este don es similar a lo que te hace sentir algunas sustancias psicodélicas como el LSD, la  mezcalina o los hongos psilocibios. Solo del 2% al 4% de la población tiene sinestesia.

Una artista que está destacando es Melissa McCracken, esta chica tiene 26 años de edad, es originaria de Kansas City, Missouri y se especializa en acuarela y acrílico. Tiene chromestesia por lo que hace una conexión entre el sonido y el color.

Melissa McCracken decidió usar su don para poder crear arte y hacer cuadros de los colores que ve cuando escucha  canciones.

“Yo pensaba que mi sinestesia era normal y que preguntar a alguien por ello sería como preguntarle si notaban el olor a café en una cafetería. A los 16 años descubrí que no lo era, cuando estaba intentando elegir un tono de llamada para mi teléfono. Mi teléfono era azul y le dije a un amigo que iba a elegir una canción “naranja” para que hiciera juego, porque eran colores complementarios. Parecía muy confundido y pensé que le pasaba algo. Finalmente, en una clase de psicología en el instituto, todo encajó. Me sorprendí mucho, porque nunca había pensado que fuera algo inusual.”

Su arte inicio cuando comenzó a  recodar esas canciones que le traían a la mente buenos momentos, entonces las empezó a asociar de manera abstracta.  Arte sinestesia

A la gente le empezaron a llamar la atención sus pinturas y su  perspectiva diferente, entonces decidió usar su sinestesia como tema principal para pintar. Dice que cada género musical tiene colores distintos y que el más colorido es, definitivamente,  el Funk.

 “Las guitarras normalmente son doradas y angulosas, y el piano es más marmóreo y entrecortado debido a los acordes. Pocas veces pinto música acústica porque a menudo suele ser una sola persona tocando la guitarra y cantando, nunca pinto canciones country porque son de un aburrido color marrón apagado. La clave y el tono también tienen efecto, así que trato de pintar la sensación general de la canción.”

Melissa no solo hace arte con la música, también con los sonidos, “para el cumpleaños de mi madre pinté el sonido de sus pasos. Recuerdo que cuando era niña escuchaba sus tacones al llegar a casa y para mí era un sonido púrpura”

Si quieres disfrutar más de sus pinturas, puedes comenzar a escuchar estas canciones mientras te deleitas con los colores y texturas.

Pink Floyd – Time

The smashing pumpkins – Tonigh, tonight

David Bowie – Life on Mars

John Lennon – Imagine

Radiohead – All I need

Ana Gutiérrez para Watch&Think

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Arte

Los desnudos de Milo Moiré ¿Arte o porno?

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Se ha cuestionado muchas veces si el arte contemporáneo es realmente arte, ya que vemos a miles de autores que pareciera que sus creaciones no justifican su discurso. Actualmente, Milo Moiré es una de las artistas que más controversiales en el mundo del arte moderno, por su manera de manejar el performance. A continuación te presentamos su trabajo.

Moiré es feminista y defiende que el cuerpo de la mujer no tendría que sufrir de estereotipos o críticas sociales. Esta artista suiza, de 33 años, ha demostrado no conocer la pena, el pudor y la decencia que se esperaría que tuviera una mujer de su edad ante la sociedad.

Milo Moiré Arte o porno

La justificación de su obra reside en buscar la igualdad de género con algo tan natural como lo es el cuerpo femenino. Acepta las críticas con calma y no siente la necesidad de defenderse de ellas e incluso declara que “la línea entre arte y porno es muy difusa”, ya que ha recibido reclamos por grabar sus performances y después venderlos, lo cual muchos ven como un negocio sexual que alienta a los pervertidos que la siguen. Se define como una “artivista”, siendo una combinación de artista con activista y su fama ha crecido rápidamente, llegando sus vídeos a 8 millones de reproducciones en Youtube.

Su crítica va dirigida al doble discurso de la prensa que muestra imágenes explícitas y violentas sin censura, pero que el tema del desnudo le causa polémica.

Contrario a lo que muchos pueden pensar, Moiré estudió psicología por lo que decidió expresar su vocación por medio del performance. Moiré lleva su desnudez a todas partes: a los parques, plazas comerciales, al metro, en fin, cualquier lugar donde pueda tener una interacción con un público que se pueda sorprender. Es por esta razón que varias veces ha terminado en la cárcel y afirma que esto no es un truco publicitario, que es una experiencia terrible y que no se la desearía a nadie.

El año pasado realizó la manifestación artística que la llevó a la fama y por la cual terminó en la comisaría británica. Milo paseó por Trafalgar Square en Londres con su performance titulado Mirror Box. Ella se presentaba semi-desnuda con una caja de espejos cubriendo sus genitales o el busto, el interior de la caja tenía una cámara que captaba el momento cuando las personas tocaban sus partes íntimas. Con un megáfono dio un discurso con el que justificaba su performance: “Estoy aquí hoy por los derechos y autodeterminación sexual de las mujeres. Las mujeres tienen una sexualidad al igual que los hombres. Sin embargo, ellas deciden por sí solas cuándo y cómo quieren ser tocadas y cuando no”.

Para ella, llevar su arte a las calles genera un contacto más íntimo con el público, utilizando su cuerpo para desprenderse de los estereotipos de la sociedad actual.

Su trabajo no es nada nuevo ya que Milo admite haberse inspirado en la propuesta de Marina Abramović titulada Rhythm 0 (1974), en la que la artista se expuso con varios objetos diferentes ante una audiencia que le podía hacer lo que quisiera con ellos, mientras ella permanecía inmóvil durante 6 horas.

Moiré también pinta con su vagina, trabaja como modelo y hasta ha llegado a aparecerse desnuda con un bebé en un museo.

Seguramente este año nos seguirá sorprendiendo con su creatividad que desafía la mente conservadora de sus espectadores.

¿Conocías el performance de Moiré?, ¿consideras que su trabajo es arte o porno?

Paola Gris Pier para Watch&Think

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Arte

Las grandes mexicanas del surrealismo.

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Como en muchos ámbitos, los hombres suelen destacar en las diferentes corrientes artísticas, sin embargo en México tenemos al menos tres ejemplos de mujeres representativas del surrealismo y en Watch and Think te las presentamos.

Leonora Carrington.

Fue una reconocida pintora y escritora surrealista. Nace en Lancashire, Inglaterra, pero después de que su esposo, Max Ernst, fuera capturado y enviado al campo de concentración Les Milles, se ve obligada a huir de la invasión nazi. Viajó por Europa pero finalmente decidió venir a México, donde se desarrolló artísticamente e incluso adquirió la nacionalidad. Falleció en 2011 dejando un legado artístico en su obra que siempre será parte de este país.

Los temas recurrentes en sus piezas son  acerca del mito céltico, el símbolo alquímico, el gnosticismo, la cábala, la psicología junguiana y el budismo tibetano. Un ejemplo claro de esto es la obra que permaneció montada en la avenida Reforma en la ciudad de México.

Betsabeé Romero.

leonora watch and think (1)

Betsabeé es una artista urbana mexicana con un toque único, ella enorgullece al país con sus trabajos basados en la cultura tradicional mexicana y en el rol que la mujer tiene en la creación de objetos folclóricos. El destello de sus obras se refleja en su interés por los autos y  en cómo los transforma en objetos femeninos que hablan sobre milagros, esperanza, belleza, entre otras cosas. Su trabajo ha sido expuesto por todo México y en gran parte del mundo como Suiza, París, Houston y Cuba.

Kati Horna.

Por otro lado tenemos a Kati Horna, una fotógrafa qué alcanzó la fama mundial por las imágenes que tomó durante el periodo de la Guerra Civil Española. Es originaria de Hungría sin embargo, después de casarse con el pintor José Horna, ambos decidieron vivir en México. Al igual que Leonora escapó de la invasión nazi que tomó lugar en París. Creó un estilo único dentro de la técnica del surrealismo por lo que ahora es una de las más reconocidas dentro de esta corriente.

Sin duda alguna estas tres artistas son de las surrealistas más representativas en México y se debe apreciar su trabajo, historia y trascendencia en el arte.

Regina Arriaga para Watch & Think

 

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