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El cine a través de la historia.

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Imagina encontrarte por primera vez en una sala en la que hay una gran pantalla, piensas que verás una especie de obra teatral y, ¡oh, sorpresa!, en la pantalla vemos un tren llegando a la estación y acercándose rápidamente a donde estás, probablemente también correrías para no acabar atropellado. Bueno, al menos esta es la historia que se cuenta cuando los hermanos Lumière presentaron por primera vez “La llegada del tren”, en 1895, a la gente le impactó tanto ver una imagen en movimiento, que creyeron que realmente venía un tren.

No podemos decir propiamente que haya sido cine, más bien sería un acercamiento al documental, ya que solo pusieron una cámara filmando la llegada de un tren a la estación.
Lo más cercano que se hizo a un cortometraje fue “El regador regado”, debido a que se contaba una historia y había actuación, aunque fuera mínima.

Fue hasta George Méliès que se empezó a hacer el cine de la forma en que lo conocemos. Méliès originalmente trabajaba en el teatro, por lo que vio un gran potencial en la máquina que habían creado los hermanos Lumière, así que les compró el cinematógrafo.
Con él, Méliès realizó más de 400 películas, por desgracia muchas se perdieron, pero entre las rescatadas, se destacan “El hombre de la cabeza de goma” (1901), “El viaje a la luna” (1902), y “El viaje a través de lo imposible” (1904). Méliès se retiró en 1913 al no poder competir con las grandes productoras.

“El viaje a la luna” (1902)

Otro cineasta del que es necesario hablar es Serghei M. Eisenstein, de quien destaca su película “El acorazado Potemkin”, de 1925, ya que es considerada una de las mejores películas de la historia del cine. La trama se basa en la rebelión de la tripulación del acorazado Potemkin durante el régimen zarista en 1905. La película fue elogiada por su arte, pero muchos consideran que había una fuerte campaña propagandista en la realización.

“El acorazado Potemkin” (1925).

La primera película con sonido fue “El cantante de Jazz”, de 1927, y fue una revolución en el cine, el protagonista fue Al Jolson. La primera línea que se escuchó en el filme fue: “Hasta ahora nada habían escuchado ustedes”.

Premiere de “THE JAZZ SINGER” en Nueva York, 6 de Octubre de 1927.

Para 1930 ya se veían 110 millones de películas en todo el mundo.

La primera película a color fue la “Feria de las vanidades” (1932), pero esta nueva presentación de las películas alcanzó su auge hasta el estreno de “Lo que el viento se llevó” en 1939, al retomar un tema importante como fue la Guerra Civil norteamericana.

Después de la Segunda Guerra Mundial, en Europa surgen dos corrientes de cine: el neorrealismo italiano, a principios de la posguerra, y en los 50, la nueva ola del cine francés.

Debido a que Italia quedó destruida por la posguerra, los cineastas italianos no quisieron alinearse al cine de espectáculo que se estaba haciendo en Hollywood, ni tampoco al cine de la época de Mussolini, por lo que quisieron mostrar lo más cercano a lo que estaban pasando en aquellos momentos, retratando una perspectiva más realista, es por eso que a su cine se le conoció como neorrealista, ya que era de bajo presupuesto y retrataba la cotidianidad de la época.


Pero claro, como en todo, las mentes más brillantes han destacado en la adversidad, y este fue el caso, teniendo a representantes como Roberto Rossellini, que sorprendió con sus filmes testimoniales y devastadores como “Roma, ciudad abierta” (1945); Vittorio de Sica que capturó a la audiencia con su memorable obra “Ladrón de bicicletas” (1948) y Luchino Visconti por llevar el movimiento neorrealista a su máximo esplendor con “La terra trema”.

“La terra trema”

Otro de los grandes exponentes del cine italiano fue Federico Fellini, quien empezó a filmar en la década de los 50, teniendo aún influencia del neorrealismo, pero su cine empezó a estar cargado de simbolismo, además de una crítica hacia la sociedad que los rodeaba.

Ahora, recorriendo un lado filosófico del cine, tenemos a Ingmar Bergman, un cineasta sueco que marcó una pauta diferente en el universo cinematográfico con su película “El séptimo sello”, en 1956, también haciendo una dura crítica a la sociedad de la posguerra.

“El séptimo sello” (1956).

Mientras que en Europa se empezó a utilizar el cine como medio de protesta y denuncia hacia la sociedad y gobierno, en Hollywood se apostó más por el avance tecnológico que por el contenido de las historias, no me malinterpreten, muchas películas que siguen siendo reconocidas en la actualidad se hicieron en esta época, pero a comparación de las crudas historias que se contaban en Europa, podríamos decir que el cine norteamericano era más rosa. Además, aunque pareciera que solo en la actualidad el cine norteamericano lleva el mando, desde los 20 tuvo gran importancia, ya que Hollywood maneja el 80% de la producción mundial, pero perdió su auge después de la Segunda Guerra Mundial por la nula distribución que se le dieron a las películas en otros países.

En México, cuando brilló más el cine fue durante la Época de Oro del cine mexicano que duró de 1936 a 1959, debido a que también tuvo reconocimiento a nivel mundial. Uno de los directores más reconocidos de esta época fue Emilio Indio Fernández.

Emilio Indio Fernández

Además, en esta época surgieron figuras icónicas de la cultura mexicana como Pedro Infante, Jorge Negrete, Dolores del Río, Tin Tan, Cantinflas, María Félix, entre muchos otros. Las películas buscaban retratar el clasismo de aquel tiempo y los problemas sociales que se vivían.

El cine en la actualidad ha ido perdiendo ese enfoque artístico o de denuncia que se dio en aquella época, no es que no se sigan haciendo este tipo de películas, pero por desgracia, han ganado terreno los filmes taquilleros o más accesibles, haciendo que la capacidad de reflexión que otorgaba el cine en un principio se desgaste. Las personas prefieren dejar de pensar en sus problemas mientras ven una película, en lugar de que sea un espacio para contemplar el arte y profundizar sobre su vida. Podría hablar mucho más acerca del cine, pero quería hacer un pequeño retrato de algunos de los acontecimientos más importantes alrededor de este arte.

¿Y tú, qué opinas sobre la evolución del cine?

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Los museos más impresionantes

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Cuando queremos salir de viaje a otro país, lo primero que hacemos es contemplar los lugares que sólo hemos visto a través de revistas o la t.v. Entre ellos consideramos visitar algún lugar arquitectónico, como la Sagrada Familia y otras obras arquitectónicas de Gaudí en Barcelona, monumentos emblemáticos como la Torre Eiffel de Paris, bañarse en la playa de Copacabana en Brasil o caminar por Central Park y hospedarse en The Plaza de Nueva York, por dar algunos ejemplos. Pero hay sitios que se hacen obligatorios visitar para que tu viaje este más que completo, se trata de los museos.

Los museos nos permiten conocer un poco la historia de nosotros como humanos y nuestro entorno, desde tiempos inmemorables hasta la actualidad. También se prestan a espacios para colecciones de algún artista significativo de la época o enfocándose en la historia de alguna institución, algún producto y marca en especial.

A continuación, te recomendamos 5 opciones de museos, para que los contemples tu visita si viajas a alguno de estos países, además de encontrar cosas increíbles pues estos 5 museos están catalogados como los más reconocidos del mundo.

El Museo del Louvre (París).

Tal vez sea el museo más importante y visitado del mundo. Se ubica en el palacio real del Louvre en París. Entre las piezas más significativas destacan la Venus de Milo y la Gioconda. Recibe a más de 9 millones de visitantes al año y tiene un costo de 12 euros por persona.

Museo Nacional de China (Beijing).

Es el museo más grande y significativo del oriente. En este museo podrás conocer más sobre la cultura china a través de sus antiguas dinastías. Sus exposiciones abarcan más de 5mil años de historia a través de artefactos valiosos, piezas de porcelana, antiguas joyas de oro y exposiciones a cerca de política y religión. Anualmente recibe alrededor de 7 millones de visitantes y su entrada es gratuita.

 

Museo del Vaticano (Ciudad del Vaticano).

Muchos piensan que El Vaticano sólo es la Basílica de San Pedro, donde se auspician misas. Pero es más que la Santa Sede para el catolicismo. Este micro país también es un museo para millones de turistas. En la Basílica de San Pedro y en los edificios aledaños se exhiben colecciones de galerías, monumentos y jardines, entre los que destaca la Biblioteca Vaticana y la Capilla Sixtina de Miguel Ángel. Anualmente recibe a más de 5 millones de visitantes y tiene un costo de 16 euros.

El Museo Nacional de Historia Natural (Nueva York).

Es el mejor museo del mundo de su especie. Se sitúa en Central Park y contiene una impresionante colección de fósiles de dinosaurios y dioramas representando los diferentes hábitats del mundo. En él, podrás apreciar los ejemplares del T-Rex, Stegosaurus y Brontosaurus además de mostrar el tamaño real de la gigantesca Ballena Azul. Anualmente recibe a más de 5 millones de visitantes y tiene un costo de 22 dólares.

El Museo Guggenheim (Bilbao).

Lo más llamativo de este museo es su espectacular y simbólica arquitectura. Fue diseño por el arquitecto estadounidense, Frank Gehry integrando la trama urbana de Bilbao y su entorno, en su estructura no existen las líneas rectas. En él se exhiben colecciones de grandes figuras del mundo artístico como David Salle, Jeff Koons, Louise Bourgeois, Robert Rauschenberg, entre otros. También tiene un espacio de actividades para aquellos que desean ampliar sus conocimientos artísticos. Recibe alrededor de 1.5 millones de visitas anuales y tiene un costo de 13 euros.

 

Si ya visitaste alguno de estos museos, ¿cuál otro llama tú atención para conocer? O si no conoces ninguno, ¿cuál te gustaría conocer primero?

Hector Reyna Vargas para Watch & Think

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Los tatuajes y el lienzo humano

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El modo de expresión de un artista varía de acuerdo a su técnica y estilo, manifestando sus obras en letras, música o pintura pero, ¿qué pasaría si ésta se presentara en un lienzo humano? Sin duda, el tatuaje también es conocido como un medio de expresión artística.

En 1991 se encontró lo que puede ser la primera manifestación de este arte. Cerca de la frontera austriaca, fue encontrado un hombre momificado que tenía marcas de tatuajes en las piernas y espalda, se cree que vivió hace aproximadamente 5,300 años.

Los egipcios ya conocían esta técnica y se practicaba desde la Dinastía XI.  Este arte era especializado para las mujeres, por lo que se ha presentado en las momias de las sacerdotisas.

En el México antiguo no fue tan común el uso del tatuaje, sin embargo era bien vistas las alteraciones y deformaciones en el cuerpo. 

En un principio no se pensaba tanto en el diseño como ahora, tenemos infinidad de opciones al momento de escoger nuestro tatuaje ideal y también muchísimo estilos para realizarlo.

En Estados Unidos fue muy popular la técnica old school o tatuaje tradicional, que se caracterizaba por sólo utilizar colores primarios y dibujos icónicos de la cultura americana, como son los elementos de la marina o las águilas.

Fue a partir de 1970 que nace la new school, que hacía una síntesis entre la vieja escuela y las técnicas modernas, utilizando más colores y haciendo más surrealistas los diseños.

 

Una de las tendencias más populares en la actualidad es la técnica 3D, estos tatuajes dan la sensación de tridimensionalidad al separar las sombras y al usar diferentes tipos de textura y relieves. Hay que darles crédito a los artistas de tatuajes que la utilizan porque las obras y el lienzo donde las plasman no son nada fáciles de manejar.

 

También, ahora, son muy comunes los tatuajes en acuarela, que literalmente dan la sensación de haber sido pintados en la piel y escurrir el color.

Otra asombrosa técnica es la de los tatuajes fluorescentes, éstos se realizan con tinta ultravioleta y resaltan de manera brillante en la oscuridad, aunque claro no se notarán durante el día. 

Está claro que, como en todas las artes, no todos los tatuadores tienen trabajos artísticos, sin embargo muchos de estos profesionales llevan años perfeccionando su forma de expresión por lo que no se debe quitar mérito a su trabajo.

¿Qué opinas, los tatuajes son obras de arte?

giphy

Regina Arriaga para Watch&Think

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Danza contemporánea en México

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La danza ha sido un elemento imprescindible de la cultura desde los orígenes de la humanidad, es una de las objetividades en las que el hombre ha puesto su expresividad para poder trascender; desde la ritual hasta la de socialización, la danza, junto con la música, han servido como un lenguaje inherente al hombre. Danza contemporánea en México

Alrededor del mundo y de su historia, hay muchas formas diferentes de danza, que podemos encontrar desde la prehistoria, las primeras culturas y civilizaciones, hasta cada una de las manifestaciones dancísticas de hoy, que se han nutrido de todas las etapas posteriores de este arte (Edad Media, Renacimiento, Barroco, Romanticismo), y de todas las clases de danzas folclóricas propias de cada región.      Danza contemporánea en México 

Danza contemporánea en México Danza contemporánea en México Danza contemporánea en México

Para hablar de la danza contemporánea en México, tenemos que conocer dónde y cuándo surge este movimiento en el mundo. Primero, durante la primera mitad del siglo XX, surge la danza moderna- durante el periodo con el mismo nombre- la danza moderna buscaba romper con las técnicas y criterios del ballet. El modernismo se distingue por un sentido de insatisfacción con el materialismo, con la cultura de masas, con el racionalismo y con la impersonalidad de la civilización burguesa (Lily Litvak 1990), y por eso en la danza buscaban romper con las reglas establecidas, ya no era lo más importante la técnica, sino la búsqueda de la propia espiritualidad, de una forma de expresarla más honesta y orgánica, creando nuevas técnicas, integrando el trabajo de torso, uso del piso, caídas y recuperación, uso expresivo de la respiración y movimientos más naturales. Danza contemporánea en México

No podríamos hablar de danza moderna sin hablar de Martha Graham, Lester Horton, Isadora Duncan, Hanya Holm, Charles Weidman, Doris Humphrey y Pearl Primus. 

Danza contemporánea en México

Danza contemporánea en México Danza contemporánea en México

La danza moderna y sus representantes fueron los precursores de la danza contemporánea, que, aunque hay muchas opiniones, la mayoría de los historiadores de danza opinan que nace en la década de los 60, cuando los bailarines empezaron a crear danzas que rompían con algunos criterios de la danza moderna; se recuestiona qué es la danza, y comienzan a darle mucha más importancia al proceso sobre la técnica. La danza contemporánea no se rige por reglas ni técnicas (aunque las usa), sino por una filosofía que enfatiza la expresión más auténtica. Danza contemporánea en México

La danza moderna llega a México después de que la Escuela Nacional de Danza es dirigida por Nellie Campobello y empieza a buscarse impartir una enseñanza profesional. Ahí también trabajaban Dora Duby, Xenia Zarina y Sergio Franco, y después de dos años, la llegada de Waldeen Von Falkenstein y Anna Sokolow empezó a generar una danza moderna mexicana, sus alumnas fueron la primera generación de bailarinas de danza moderna en México, generando un movimiento que renovó y que se hizo nacionalista, hablando por los mexicanos obreros, los revolucionarios, los campesinos, aportando con movimientos y gestos un nuevo lenguaje dancístico. Danza contemporánea en México

Posteriormente, Guillermina Bravo y Ana Mérida crean el Ballet Waldeen y después la Academia de la Danza Mexicana en 1947. Un año más tarde, Guillermina y Josefina Lavalle fundan el Ballet Nacional de México, cimentando el desarrollo de la danza moderna mexicana, siguiéndole la Academia de la Danza Mexicana y la Escuela Nacional de Danza. Otros artistas que se vieron involucrados en la creación de este nuevo estilo y movimiento dancístico fueron Miguel Covarrubias, José Limón, David Wood, Luis Fandiño, entre otros coreógrafos y bailarines. Danza contemporánea en México

A partir de estas escuelas, se fueron abriendo en diferentes partes de la república instituciones y talleres para desarrollar la danza contemporánea mexicana, muchos bailarines, maestros, coreógrafos, festivales y concursos han surgido en el país; se ha ampliado tanto a lo largo de todos estos años, que definir la danza contemporánea ahora sería imposible. Danza contemporánea en México

Lo que sí se puede decir, es que actualmente sufre un momento de crisis por varias razones, como nos comenta Hayde Lachino para el periódico La Jornada, la ausencia generalizada de público en los teatros, la falta de participación en los debates vigentes en el arte contemporáneo, el carácter endógeno de una práctica que, en términos generales, no dialoga con lo que ocurre en el país. Es decir, que muchas veces los artistas se desligan del contexto y se enfocan en los procesos de validación, y cuando pasa esto, rara vez ocurre un movimiento real y contundente. Danza contemporánea en México

Podemos hacer muchas cosas para volver a poner en alto a la danza contemporánea mexicana, desde fuera de le escena, asistiendo a las presentaciones, buscando la promoción y expresando las sensaciones que nos creen.

¿Qué más podríamos hacer por la danza contemporánea? ¿Qué es lo que sigue en este arte?

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