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Arte

El cine a través de la historia.

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Imagina encontrarte por primera vez en una sala en la que hay una gran pantalla, piensas que verás una especie de obra teatral y, ¡oh, sorpresa!, en la pantalla vemos un tren llegando a la estación y acercándose rápidamente a donde estás, probablemente también correrías para no acabar atropellado. Bueno, al menos esta es la historia que se cuenta cuando los hermanos Lumière presentaron por primera vez “La llegada del tren”, en 1895, a la gente le impactó tanto ver una imagen en movimiento, que creyeron que realmente venía un tren.

No podemos decir propiamente que haya sido cine, más bien sería un acercamiento al documental, ya que solo pusieron una cámara filmando la llegada de un tren a la estación.
Lo más cercano que se hizo a un cortometraje fue “El regador regado”, debido a que se contaba una historia y había actuación, aunque fuera mínima.

Fue hasta George Méliès que se empezó a hacer el cine de la forma en que lo conocemos. Méliès originalmente trabajaba en el teatro, por lo que vio un gran potencial en la máquina que habían creado los hermanos Lumière, así que les compró el cinematógrafo.
Con él, Méliès realizó más de 400 películas, por desgracia muchas se perdieron, pero entre las rescatadas, se destacan “El hombre de la cabeza de goma” (1901), “El viaje a la luna” (1902), y “El viaje a través de lo imposible” (1904). Méliès se retiró en 1913 al no poder competir con las grandes productoras.

“El viaje a la luna” (1902)

Otro cineasta del que es necesario hablar es Serghei M. Eisenstein, de quien destaca su película “El acorazado Potemkin”, de 1925, ya que es considerada una de las mejores películas de la historia del cine. La trama se basa en la rebelión de la tripulación del acorazado Potemkin durante el régimen zarista en 1905. La película fue elogiada por su arte, pero muchos consideran que había una fuerte campaña propagandista en la realización.

“El acorazado Potemkin” (1925).

La primera película con sonido fue “El cantante de Jazz”, de 1927, y fue una revolución en el cine, el protagonista fue Al Jolson. La primera línea que se escuchó en el filme fue: “Hasta ahora nada habían escuchado ustedes”.

Premiere de “THE JAZZ SINGER” en Nueva York, 6 de Octubre de 1927.

Para 1930 ya se veían 110 millones de películas en todo el mundo.

La primera película a color fue la “Feria de las vanidades” (1932), pero esta nueva presentación de las películas alcanzó su auge hasta el estreno de “Lo que el viento se llevó” en 1939, al retomar un tema importante como fue la Guerra Civil norteamericana.

Después de la Segunda Guerra Mundial, en Europa surgen dos corrientes de cine: el neorrealismo italiano, a principios de la posguerra, y en los 50, la nueva ola del cine francés.

Debido a que Italia quedó destruida por la posguerra, los cineastas italianos no quisieron alinearse al cine de espectáculo que se estaba haciendo en Hollywood, ni tampoco al cine de la época de Mussolini, por lo que quisieron mostrar lo más cercano a lo que estaban pasando en aquellos momentos, retratando una perspectiva más realista, es por eso que a su cine se le conoció como neorrealista, ya que era de bajo presupuesto y retrataba la cotidianidad de la época.


Pero claro, como en todo, las mentes más brillantes han destacado en la adversidad, y este fue el caso, teniendo a representantes como Roberto Rossellini, que sorprendió con sus filmes testimoniales y devastadores como “Roma, ciudad abierta” (1945); Vittorio de Sica que capturó a la audiencia con su memorable obra “Ladrón de bicicletas” (1948) y Luchino Visconti por llevar el movimiento neorrealista a su máximo esplendor con “La terra trema”.

“La terra trema”

Otro de los grandes exponentes del cine italiano fue Federico Fellini, quien empezó a filmar en la década de los 50, teniendo aún influencia del neorrealismo, pero su cine empezó a estar cargado de simbolismo, además de una crítica hacia la sociedad que los rodeaba.

Ahora, recorriendo un lado filosófico del cine, tenemos a Ingmar Bergman, un cineasta sueco que marcó una pauta diferente en el universo cinematográfico con su película “El séptimo sello”, en 1956, también haciendo una dura crítica a la sociedad de la posguerra.

“El séptimo sello” (1956).

Mientras que en Europa se empezó a utilizar el cine como medio de protesta y denuncia hacia la sociedad y gobierno, en Hollywood se apostó más por el avance tecnológico que por el contenido de las historias, no me malinterpreten, muchas películas que siguen siendo reconocidas en la actualidad se hicieron en esta época, pero a comparación de las crudas historias que se contaban en Europa, podríamos decir que el cine norteamericano era más rosa. Además, aunque pareciera que solo en la actualidad el cine norteamericano lleva el mando, desde los 20 tuvo gran importancia, ya que Hollywood maneja el 80% de la producción mundial, pero perdió su auge después de la Segunda Guerra Mundial por la nula distribución que se le dieron a las películas en otros países.

En México, cuando brilló más el cine fue durante la Época de Oro del cine mexicano que duró de 1936 a 1959, debido a que también tuvo reconocimiento a nivel mundial. Uno de los directores más reconocidos de esta época fue Emilio Indio Fernández.

Emilio Indio Fernández

Además, en esta época surgieron figuras icónicas de la cultura mexicana como Pedro Infante, Jorge Negrete, Dolores del Río, Tin Tan, Cantinflas, María Félix, entre muchos otros. Las películas buscaban retratar el clasismo de aquel tiempo y los problemas sociales que se vivían.

El cine en la actualidad ha ido perdiendo ese enfoque artístico o de denuncia que se dio en aquella época, no es que no se sigan haciendo este tipo de películas, pero por desgracia, han ganado terreno los filmes taquilleros o más accesibles, haciendo que la capacidad de reflexión que otorgaba el cine en un principio se desgaste. Las personas prefieren dejar de pensar en sus problemas mientras ven una película, en lugar de que sea un espacio para contemplar el arte y profundizar sobre su vida. Podría hablar mucho más acerca del cine, pero quería hacer un pequeño retrato de algunos de los acontecimientos más importantes alrededor de este arte.

¿Y tú, qué opinas sobre la evolución del cine?

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Arte sinestesia

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Cuando escuchamos nuestra canción favorita pensamos en algún recuerdo significativo o en el video musical, pero existen personas que literalmente piensan en un color específico para cada nota.

La sinestesia es el don que mezcla los sentidos, varias celebridades como Kanye West, Marilyn Monroe o Jimi Hendrix han tenido sinestesia la cual les ha ayudado a desempeñarse de manera distinta en sus creaciones o interpretaciones. Las personas sinestésicas pueden ver sonidos, saborear u oler colores y tocar emociones. Arte sinestesia

Lo impactante de la sinestesia es que realmente ven y sienten con más de un sentido. Este don es similar a lo que te hace sentir algunas sustancias psicodélicas como el LSD, la  mezcalina o los hongos psilocibios. Solo del 2% al 4% de la población tiene sinestesia.

Una artista que está destacando es Melissa McCracken, esta chica tiene 26 años de edad, es originaria de Kansas City, Missouri y se especializa en acuarela y acrílico. Tiene chromestesia por lo que hace una conexión entre el sonido y el color.

Melissa McCracken decidió usar su don para poder crear arte y hacer cuadros de los colores que ve cuando escucha  canciones.

“Yo pensaba que mi sinestesia era normal y que preguntar a alguien por ello sería como preguntarle si notaban el olor a café en una cafetería. A los 16 años descubrí que no lo era, cuando estaba intentando elegir un tono de llamada para mi teléfono. Mi teléfono era azul y le dije a un amigo que iba a elegir una canción “naranja” para que hiciera juego, porque eran colores complementarios. Parecía muy confundido y pensé que le pasaba algo. Finalmente, en una clase de psicología en el instituto, todo encajó. Me sorprendí mucho, porque nunca había pensado que fuera algo inusual.”

Su arte inicio cuando comenzó a  recodar esas canciones que le traían a la mente buenos momentos, entonces las empezó a asociar de manera abstracta.  Arte sinestesia

A la gente le empezaron a llamar la atención sus pinturas y su  perspectiva diferente, entonces decidió usar su sinestesia como tema principal para pintar. Dice que cada género musical tiene colores distintos y que el más colorido es, definitivamente,  el Funk.

 “Las guitarras normalmente son doradas y angulosas, y el piano es más marmóreo y entrecortado debido a los acordes. Pocas veces pinto música acústica porque a menudo suele ser una sola persona tocando la guitarra y cantando, nunca pinto canciones country porque son de un aburrido color marrón apagado. La clave y el tono también tienen efecto, así que trato de pintar la sensación general de la canción.”

Melissa no solo hace arte con la música, también con los sonidos, “para el cumpleaños de mi madre pinté el sonido de sus pasos. Recuerdo que cuando era niña escuchaba sus tacones al llegar a casa y para mí era un sonido púrpura”

Si quieres disfrutar más de sus pinturas, puedes comenzar a escuchar estas canciones mientras te deleitas con los colores y texturas.

Pink Floyd – Time

The smashing pumpkins – Tonigh, tonight

David Bowie – Life on Mars

John Lennon – Imagine

Radiohead – All I need

Ana Gutiérrez para Watch&Think

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Los desnudos de Milo Moiré ¿Arte o porno?

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Se ha cuestionado muchas veces si el arte contemporáneo es realmente arte, ya que vemos a miles de autores que pareciera que sus creaciones no justifican su discurso. Actualmente, Milo Moiré es una de las artistas que más controversiales en el mundo del arte moderno, por su manera de manejar el performance. A continuación te presentamos su trabajo.

Moiré es feminista y defiende que el cuerpo de la mujer no tendría que sufrir de estereotipos o críticas sociales. Esta artista suiza, de 33 años, ha demostrado no conocer la pena, el pudor y la decencia que se esperaría que tuviera una mujer de su edad ante la sociedad.

Milo Moiré Arte o porno

La justificación de su obra reside en buscar la igualdad de género con algo tan natural como lo es el cuerpo femenino. Acepta las críticas con calma y no siente la necesidad de defenderse de ellas e incluso declara que “la línea entre arte y porno es muy difusa”, ya que ha recibido reclamos por grabar sus performances y después venderlos, lo cual muchos ven como un negocio sexual que alienta a los pervertidos que la siguen. Se define como una “artivista”, siendo una combinación de artista con activista y su fama ha crecido rápidamente, llegando sus vídeos a 8 millones de reproducciones en Youtube.

Su crítica va dirigida al doble discurso de la prensa que muestra imágenes explícitas y violentas sin censura, pero que el tema del desnudo le causa polémica.

Contrario a lo que muchos pueden pensar, Moiré estudió psicología por lo que decidió expresar su vocación por medio del performance. Moiré lleva su desnudez a todas partes: a los parques, plazas comerciales, al metro, en fin, cualquier lugar donde pueda tener una interacción con un público que se pueda sorprender. Es por esta razón que varias veces ha terminado en la cárcel y afirma que esto no es un truco publicitario, que es una experiencia terrible y que no se la desearía a nadie.

El año pasado realizó la manifestación artística que la llevó a la fama y por la cual terminó en la comisaría británica. Milo paseó por Trafalgar Square en Londres con su performance titulado Mirror Box. Ella se presentaba semi-desnuda con una caja de espejos cubriendo sus genitales o el busto, el interior de la caja tenía una cámara que captaba el momento cuando las personas tocaban sus partes íntimas. Con un megáfono dio un discurso con el que justificaba su performance: “Estoy aquí hoy por los derechos y autodeterminación sexual de las mujeres. Las mujeres tienen una sexualidad al igual que los hombres. Sin embargo, ellas deciden por sí solas cuándo y cómo quieren ser tocadas y cuando no”.

Para ella, llevar su arte a las calles genera un contacto más íntimo con el público, utilizando su cuerpo para desprenderse de los estereotipos de la sociedad actual.

Su trabajo no es nada nuevo ya que Milo admite haberse inspirado en la propuesta de Marina Abramović titulada Rhythm 0 (1974), en la que la artista se expuso con varios objetos diferentes ante una audiencia que le podía hacer lo que quisiera con ellos, mientras ella permanecía inmóvil durante 6 horas.

Moiré también pinta con su vagina, trabaja como modelo y hasta ha llegado a aparecerse desnuda con un bebé en un museo.

Seguramente este año nos seguirá sorprendiendo con su creatividad que desafía la mente conservadora de sus espectadores.

¿Conocías el performance de Moiré?, ¿consideras que su trabajo es arte o porno?

Paola Gris Pier para Watch&Think

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Las grandes mexicanas del surrealismo.

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Como en muchos ámbitos, los hombres suelen destacar en las diferentes corrientes artísticas, sin embargo en México tenemos al menos tres ejemplos de mujeres representativas del surrealismo y en Watch and Think te las presentamos.

Leonora Carrington.

Fue una reconocida pintora y escritora surrealista. Nace en Lancashire, Inglaterra, pero después de que su esposo, Max Ernst, fuera capturado y enviado al campo de concentración Les Milles, se ve obligada a huir de la invasión nazi. Viajó por Europa pero finalmente decidió venir a México, donde se desarrolló artísticamente e incluso adquirió la nacionalidad. Falleció en 2011 dejando un legado artístico en su obra que siempre será parte de este país.

Los temas recurrentes en sus piezas son  acerca del mito céltico, el símbolo alquímico, el gnosticismo, la cábala, la psicología junguiana y el budismo tibetano. Un ejemplo claro de esto es la obra que permaneció montada en la avenida Reforma en la ciudad de México.

Betsabeé Romero.

leonora watch and think (1)

Betsabeé es una artista urbana mexicana con un toque único, ella enorgullece al país con sus trabajos basados en la cultura tradicional mexicana y en el rol que la mujer tiene en la creación de objetos folclóricos. El destello de sus obras se refleja en su interés por los autos y  en cómo los transforma en objetos femeninos que hablan sobre milagros, esperanza, belleza, entre otras cosas. Su trabajo ha sido expuesto por todo México y en gran parte del mundo como Suiza, París, Houston y Cuba.

Kati Horna.

Por otro lado tenemos a Kati Horna, una fotógrafa qué alcanzó la fama mundial por las imágenes que tomó durante el periodo de la Guerra Civil Española. Es originaria de Hungría sin embargo, después de casarse con el pintor José Horna, ambos decidieron vivir en México. Al igual que Leonora escapó de la invasión nazi que tomó lugar en París. Creó un estilo único dentro de la técnica del surrealismo por lo que ahora es una de las más reconocidas dentro de esta corriente.

Sin duda alguna estas tres artistas son de las surrealistas más representativas en México y se debe apreciar su trabajo, historia y trascendencia en el arte.

Regina Arriaga para Watch & Think

 

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